vanatik05 (Nataly) (vanatik05) wrote,
vanatik05 (Nataly)
vanatik05

Category:

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 15 (2) Русский портрет. Конец XIX - начало XX.

Портрет рубежа столетий многообразен по своим формам, стилистическим особенностям, средствам выражения, но общим является воздействие на портретную живопись пленэра – модель и окружающая среда связываются светом, воздухом и единым настроением, все это работает на передачу естественности и динамичности изображения, выявлению индивидуальной неповторимости и внутреннего состояния человека. Другими словами, в русскую портретную живопись сначала робко, но потом все активнее приходит импрессионизм, опирающийся на достижения предшествовавшего искусства, о котором мы говорили в предыдущих статьях.

Конечно, не все художники и не сразу воспринимали новые тенденции, но постепенно робкие веяния превращались в наполненные светом и воздухом потоки, пока не появился художник, которого можно с полным правом назвать отцом русского импрессионизма, но о нем позже. А пока…

Одним из выдающихся художников того времени, был Василий Иванович Суриков (1848-1916), о котором Максимилиан Волошин написал в своей монографии так: «Кровь старых бунтовщиков, покоривших Сибирь вместе с Ермаком, отстоенная в умиротворенном быту старой Руси, исключительно здоровое детство, обставленное суровыми, трагическими и кровавыми впечатлениями природы и человеческой жизни, глубоко потрясавшими детскую душу, но не осложнявшимися никакими личными катастрофами, образовали в нем сосредоточенный и мощный заряд огромной творческой силы.»


Он считается в основном историческим живописцем, но в каждой его исторической картине, например, «Боярыне Морозовой», мы видим большое количество выразительных и очень ярких портретов, он умел писать огромное скопление народа, при этом каждый персонаж был индивидуален.


Его казацкое происхождение, рождение и жизнь в Сибири, в Красноярске, всегда придавали ему гордости, а в творчестве помогали ему оживлять мир ушедших эпох русской истории. Переехав в Москву, он полюбил этот город, он был близок ему, у него появилось много друзей среди художников, писателей, здесь он нашел свою единственную любовь, Елизавету Шаре, родившую ему двух дочерей, прожившую с ним в счастливом браке только 10 лет и преждевременно умершую.


Тяжело переживая смерть любимой жены, художник два года не брал кисти в руки, уехал с дочерями на родину в Сибирь, и эта поездка, поддержка друзей вернули ему силы и вдохновение.


Вернувшись в Москву, он продолжил работать, у него было много планов, но не все он успел осуществить. Нестеров сказал о живописи Сурикова: «...Крепкая, густая, звучная, захваченная из существа действия, вытекающая по необходимости». Источник: http://www.tphv-history.ru/persons/Vasilijj-Surikov.html.
Одним из самых интересных, необычных и даже загадочных художников того периода был для меня всегда Михаил Врубель (1856-1910), родившийся в Омске в семье военного юриста. Его творчество было многогранным: иконы и фрески, живопись и скульптура, мозаика и театральные декорации, огромные полотна и «демонический» цикл картин.



Его мать рано умерла, он был слабеньким ребенком, только в 3 года начал ходить, воспитывала мальчика мачеха, она же заботилась о его здоровье, поставила его на ноги, благодаря ей он полюбил музыку, много читал, но и не помышлял тогда о живописи. И только поступив неожиданно для себя самого и окружающих в возрасте 24 лет вольнослушателем в Академию художеств, написал сестре: «Ты представить себе не можешь, до чего я погружен всем своим существом в искусство: просто никакая посторонняя искусству мысль или желание не укладываются, не прививаются".


Его страстная и мятущаяся натура, неожиданные влюбленности, например, в замужнюю женщину Эмилию Прахову, жену своего работодателя (реставрация Кирилловской церкви в Киеве), пристрастие к алкоголю, странности поведения вызывали недоумение у окружающих, а позже обернулись сумасшествием. Непризнание его огорчало, но дружба с Саввой Мамонтовым


и работа в его  Абрамцевских мастерских изразцовых и терракотовых декораций, страстное увлечение керамикой, помогало ему материально, хотя и не приносило славы и признания, а гонорары за немногочисленные заказы он тут же прогуливал и пропивал.
1896 году Врубель познакомился с певицей Надеждой Забелой, страстно влюбился и уговорил ее выйти за него замуж, она согласилась не без колебаний. Почти у всех женских образов потом в его произведениях были бездонные глаза Надежды.


У них родился сын с заячьей губой, Врубель считал это дурным предзнаменованием (и действительно, мальчик умер в трехлетнем возрасте), опять начал пить, он работал в это время над картиной «Демон поверженный», впал в буйную депрессию и был впервые госпитализирован с симптомами острого психического расстройства. «Трудно сказать, какую роль внесло безумие в творчество Врубеля, но может быть именно сумасшествие придало его работам столь тревожное, таинственное и мощное звучание.» (https://artchive.ru/artists/626~Mikhail_Aleksandrovich_Vrubel)


В 1906 году Михаил Врубель полностью ослеп, а в 1910 году, надышавшись нарочно холодным зимним воздухом через открытую форточку, заболел пневмонией и скончался. Он похоронен на Новодевичьем кладбище в Москве. «Незаметно протекла среди нас жизнь и болезнь гениального художника. Для мира остались дивные краски и причудливые чертежи, похищенные у Вечности.» А.Блок, «Памяти Врубеля», (Из речи, прочитанной на похоронах М.А. Врубеля 3 апреля 1910 г.) В моем мартирологе он пополнил ряды мятущихся, неприкаянных, почти непризнанных при жизни гениальных художников, история жизни и творчество которых выходят за рамки своего времени и остаются в веках, отзываясь в наших душах любовью и болью.
Полной противоположностью Врубелю был художник Валентин Серов (1865-1911), учившийся с ним некоторое время в Академии художеств у одного и того же учителя, Павла Чистякова, и тайно, но страстно завидовавший гениальному соученику.


Врубель за 15 минут набрасывал эскиз, над которым Серов бился неделями, овладение мастерством давалось ему тяжким трудом. Он работал медленно, пытаясь проникнуть во внутренний мир героя, добиться сходства не только внешнего, но и заглянуть в душу, честно отразить характер, не всегда лицеприятно, иногда даже безжалостно, никому не делая скидок. Он родился в семье известного композитора и гастролирующей пианистки, отец умер, когда мальчику было 6 лет, мать, мало обращая внимания на сына, брала его с собой в Европу на гастроли, в доме бывали знаменитые музыканты и художники, одно время юный Серов брал уроки рисования в Париже у Ильи Репина, который на всю жизнь остался его старшим другом.

Учитель Серова в Академии художеств П.П.Чистяков говорил о своем бывшем ученике: «И рисунок, и колорит, и светотень, и характерность, и чувство цельности своей задачи, и композиция — все было у Серова, и было в превосходной степени». (http://www.tphv-history.ru/persons/Valentin-Serov.html)

Когда Серов испытывал к модели симпатию, художник называл такие портреты «отрадными», они приносили ему и клиенту радость, потому что Серов мог передать на картине все - «разворотом плеч, наклоном головы, точно пойманным жестом, угаданной по глазам эмоцией - от душевного смятения до готовности свернуть горы. Это было уже не безупречное владение ремеслом и даже не искусство – подлинная магия». (https://artchive.ru/artists/1101~Valentin_Aleksandrovich_Serov/biography).


Серов был не очень коммуникабельным человеком, имел репутацию «великого молчальника», у него было мало друзей, но зато какие: Репин, Шаляпин, Мамонтов, Дягилев, Коровин, с которым он долгое время был неразлучен (Савва Мамонтов даже называл их двоих «Серовины»). Это была странная дружба: молчаливый, сдержанный, медлительный и довольно замкнутый Серов и порывистый, эмоциональный, разговорчивый, ни минуты не сидящий в покое Коровин.


Вопреки своему характеру, Серову всегда хотелось писать светлые, солнечные картины, он говорил: «В нашем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного и буду писать только отрадное!». Посмотрите на первую репродукцию к этой статье, портрет жены художника, сколько там солнца, света, тихой радости в глазах.
В конце жизни в Париже Серов написал удивительный портрет скандально-известной балерины Иды Рубинштейн. Возможно, этот стиль стал бы ведущим в творчестве художника. «По художественному совершенству, исключительно выдержанному ощущению внутренней незащищенности и внешней экстравагантности, по безупречному равновесию цветовых пятен и точности линейного ритма, серовский холст стал высшей данью художника модерну. Индивидуальный стиль максимально сблизился со стилем времени.» (http://www.virtualrm.spb.ru/ru/resources/galleries/serov_portret)


Сам же художник, достигший славы, окруженный любовью друзей и родных (у него было шестеро детей), ставший мировой знаменитостью и признанным мастером, часто испытывал приступы хандры («На всех частях света живут дураки, которым нужны, извольте видеть, портреты.» - говорил Серов). Он чувствовал себя несчастным, «ловил на себе страшные взоры смерти», становился суеверным ипохондриком и боялся рано умереть от сердечного приступа, как и отец, что и случилось с ним в возрасте 46 лет. Заканчивая разговор о Валентине Серове, хочу напомнить историю с самой дорогой из проданных его картин.


- 24 ноября 2014 года на аукционе Christie’s в Лондоне был поставлен ценовой рекорд для живописи В.И.Серова: за 14 миллионов 510 тысяч долларов (включая 12 процентов комиссии аукционного дома) был продан «Портрет Марии Цетлиной». Этот портрет на протяжении пятидесяти пяти лет находился в Израиле. https://lenta.ru/articles/2014/11/25/serov/. Его продажа вызвала много недоумений, споров и несогласий, но тем не менее…
А я осмелюсь высказать свое собственное отношение к портретному творчеству Валентина Серова, которого я безусловно ценю, считаю выдающимся художником, многие его портреты (Мики Морозова, княгини Юсуповой, Коровина, Левитана, Шаляпина, Репина, Ермоловой, Лосевой…) считаю высоким достижением в портретном жанре, но в целом они не вызывают во мне трепета узнавания, наслаждения глубиной образа, не тревожат душу, и за редким исключением, не вызывают ни сострадания, ни отторжения, ни восхищения…
В 1880-х годах приобретает большую известность в качестве портретиста зарекомендовавший себя ранее, как художник на исторические темы, Константин Маковский (1839-1915).


Будучи представителем академической школы, использовавший в своей работе элементы даже барокко, он тем не менее в эти годы начинает проявлять в своем творчестве качества, характерные для русских импрессионистов: пленэр, некоторую размытость деталей, воздух и свет, наполняющие портрет радостью жизни.

Художник был очень популярен, особенно в Европе и Америке, своими красочными и яркими портретами боярышень и аристократок в «русском» стиле, он был богат, пользовался покровительством властей и самого императора Александра II, имел успех у женщин, был трижды женат. «Лучшие красавицы наперебой позировали мне… Я зарабатывал громадные деньги, жил с царственной роскошью и успел написать несметное количество картин, декоративных панно, портретов, этюдов и акварелей…»,
писал Константин Маковский о себе.


После смерти первой жены Маковский в возрасте 36 лет страстно влюбился в 16-летнюю Юлию, вскоре она стала его женой, вдохновительницей, главной моделью и музой на последующие 15 лет. К концу жизни Маковский охладел к радостям жизни, так щедро подаренным ему судьбой и талантом, все не радовало, потеряло смысл: богатство, деньги, женщины и даже дети, которых у него было семеро в двух браках (некоторые из них тоже были причастны к искусству).


Маковскому было 76 лет, когда экипаж, в котором он ехал, врезался в трамвай. Художника выбросило на мостовую, и от полученных травм он скончался в Петрограде. Похоронен на Никольском кладбище Александро-Невской лавры. Маковского иногда сравнивали с Ренуаром, возможно в этом сравнении есть смысл, приглядитесь…
Наиболее ярко в портретном творчестве великий русский живописец Илья Ефимович Репин (1844-1930) проявил себя в 80-е годы 19 столетия, когда неожиданно получил заказ на написание группового портрета композиторов (живущих и уже умерших) для гостиницы «Славянский базар» от ее владельца Пороховщикова.


Картина понравилась не всем, Тургенев, например, назвал ее «холодным винегретом живых и мёртвых — натянутою чушью…», но она не только дала молодому художнику средства к существованию, но и принесла некоторую известность.
В последующие годы начали поступать заказы на портреты, Репин любил писать своих близких, детей, особенно свою старшую дочь Веру.


Конечно, говоря о Репине, мы причисляем его к реалистам, но посмотрите на этот портрет, пронизанный лучами солнца, наполненный воздухом и светом… Чем дальше мы наблюдаем за творчеством Репина, тем больше видим его тяготение к светлым тонам, пленэру, красивым и выразительным лицам.


У Репина было много учеников (среди них такие знаменитые, как Серов, Малявин, Кустодиев, Фешин…), он не только делился с ними мастерством, но и устраивал их в издательства иллюстраторами, старался пристроить их в разные художественные проекты для облегчения их финансового положения. Один из его бывших учеников, ставший известным художником, академиком, И.Э. Грабарь написал двухтомную монографию о жизни и творчестве И.Репина, вышедшую в 1937 году, в которой не только анализируется творчество художника, но содержится много биографических моментов, рассказанных Грабарю самим Репиным. Для тех, кому интересно, тут: http://www.vipbook.su/iskustvo/268777-repin-monografiya-v-dvuh-tomah.html)
У него было много друзей среди писателей, особые отношения его связывали с Л.Толстым. и некоторыми музыкантами.Вы помните, конечно, такой грустный, но честный портрет Мусоргского.  Мне нравятся его портреты Сурикова, Третьякова, Римского-Корсакова, Глинки, но особенно писателя Леонида Андреева.


Интересны его отношения с художниками «Мира искусств», сближение с которыми произошло после знакомства с А.Бенуа и Дягилевым. Репин даже участвовал в подготовке Первой международной выставки журнала «Мир искусства» в 1899 году, он говорил, что «Декадентство, по-моему, находится ещё только в зачаточном состоянии, по крайней мере у нас, в России, и нельзя не пожелать ему развиваться.» (1898). Правда скоро он изменил свое отношение из-за противостояния «Мира искусства» Академии и академизму, Репин оставался все-таки приверженцем реализма, несмотря на импрессионистические элементы и нотки в своем творчестве. Один интересный и трогательный факт из жизни великого художника – его внезапная и всепоглощающая любовь к своей ученице, Елизавете Званцевой,  длившаяся 5 лет и  не нашедшая, очевидно, ответа в ее сердце.

Он был в два раза старше нее, он был ее учителем, «он потерял гордость, искал встреч, просил, умолял о свиданиях,… позабыв себя, даже искусство, которое ни для кого не оставлял.…». «Право, еще никогда в моей жизни, никогда никого я не любил так непозволительно, с таким самозабвением…» - писал он ей.   Зато нам остались 5 портретов, как воспоминание об этой Любви. (http://litresp.ru/chitat/ru/%D0%9F/prorokova-sofjya-aleksandrovna/repin/21
Один из выдающихся художников Серебряного века Константин Сомов (1869-1939)



родился в дворянской семье, отец его был сначала преподавателем физики и математики, а затем стал историком искусства, 22 года проработал старшим хранителем коллекции Эрмитажа, самим этим фактом, да еще и тем, что мать его была пианисткой, любительницей театра и живописи, и была предопределена его дальнейшая судьба – мальчик с детства мечтал быть художником. Даже не закончив гимназии, юноша поступает в Академию художеств, а позже становится учеником Репина. Потом, после Парижа, Сомов увлекается фарфором, графикой, иллюстрированием книг, становится одним из учредителей художественного объединения «Мир искусства».

«Даму в голубом» называют лучшей картиной художника К. Сомова, «Джокондой современности» и символом эпохи Серебряного века. На ней изображена Елизавета Мартынова – единственная женщина, к которой художник испытывал чувства. Ее судьба сложилась трагически: она умерла от туберкулеза вскоре после того, как ее портрет был выставлен в Третьяковской галерее. Подруга Мартыновой М. Ямщикова писала об этой картине: «Что сделал художник с этим лицом, с этими когда-то сияющими торжеством глазами? Как сумел вытащить на свет глубоко запрятанную боль и печаль, горечь неудовлетворенности? Как сумел передать это нежное и вместе с тем болезненное выражение губ и глаз?». (https://kulturologia.ru/blogs/300616/30249/).
Невозможно говорить о творчестве Сомова, не упоминая одного важного факта его биографии, ведь он был долгие годы фактически вычеркнут из истории русской живописи не только потому, что оказался в эмиграции, но и из-за своей сексуальной ориентации: то, что считалось приемлемым и терпимым в эпоху Серебряного века (а в кругах художественной элиты однополая любовь даже стала модной), замалчивалось, считалось постыдным и даже преступным в годы советской власти.


Одним из интимных друзей Сомова (и не только его) был в течение нескольких лет поэт и светский модник, бывший некоторое время центром притяжения гомосексуальной богемы, Михаил Кузмин. А самой долгой его любовью и другом был Мефодий Лукьянов, связь с которым, фактически брак, продлился 22 года, «без размолвок и почти без измен».


В 1923 году Сомов поехал в качестве сопровождающего «Русской выставки» в США. В подготовке и оформлении выставки принимали участие Сытин, Грабарь, а картин самого Сомого было на ней 38, большую финансовую и организационную помощь оказали также уже жившие в США родственники художника. В 1925 году Константин Сомов покидает Америку, решает не возвращаться в Россию, а жить во Франции со своим «дорогим другом Мифом», Мефодием Лукьяновым, у которого обнаружился туберкулез, и он жил на ферме в Нормандии. Сомову часто приходится по делам бывать в Париже, где он должен искать новые заказы и закончить портрет Рахманинова.


В 1932 году его друг Миф, «любимая Мифема», как он называл Мефодия, умирает на руках у Сомова, он тяжело переживает смерть друга, но у него будет, как считают некоторые биографы, еще одна, «последняя любовь», 19-летний натурщик Борис Снежковский. Нет достоверных сведений об их любовных отношениях, да и вряд ли они интересовали стареющего художника, ведь ему в ту пору было уже около 65 лет. Он взял его для позирования в образе Дафниса при иллюстрировании повести "Дафнис и Хлоя" Лонгуса. Сомов написал серию портретов Бориса в обнаженном и полуобнаженном виде (на некоторых он изображен с обнаженной женщиной), самый известный из них этот:


Сомов скоропостижно скончался 6 мая 1939 года в Париже и был похоронен на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа. «Все его произведения проникнуты духом нашего времени: безумной любовью к жизни, и в то же время каким-то грустным скептицизмом, глубочайшей меланхолией от «недоверия к жизни», – утверждал А. Бенуа.
О личной жизни Сомова, о его увлечениях (кого это интересует) подробно рассказано в работе
Игоря Кона «Лики и маски однополой любви. Лунный свет на заре» (http://bookap.info/psyhofizio/kon_liki_i_maski_odnopoloy_lyubvi_lunnyy_svet_na_zare2_e_izd_pererab_i_dop/bypage/) и Л.Клейна «Другая сторона светила. Необычная любовь выдающихся людей. Русское созвездие». (Фрагменты).
Одним из самых любимых мною художников той поры является Константин Коровин (1861-1939).


К сожалению, нет его автопортрета молодым, посмотрите в начале статьи портрет, написанный Серовым.
Родившись в Москве в богатой купеческой семье и уже в 14 лет поступив в художественное училище, Коровин затем начинает учиться в Академии в Санкт-Петербурге, правда,   через несколько месяцев он бросил учебу и уехал с Серовым на Север и в Норвегию, а затем в Париж, где и познакомился впервые с импрессионизмом. Вот его-то я и имела в виду, когда писала в начале статьи о приходе в Россию импрессионизма. «…Если бы нужно было назвать художника, с которого начинается история новейшего искусства в России, то колебаться здесь нельзя было бы. Это, несомненно, Константин Коровин». И.Грабарь.


Этот портрет написан еще до Парижа, до знакомства с импрессионизмом, но по наитию в стиле импрессионизма. Правда, надо сказать, что по сравнению с французскими импрессионистами, Коровин меньше внимания уделяет свету и цвету, использует более темные тона, иногда даже черный, что абсолютно неприемлемо было у французов. Конец 19 века был успешным для художника: покровительство и финансовая помощь Саввы Мамонтова, участие в Абрамцевском кружке и дружба с Врубелем, Серовым, и на долгие годы – с Шаляпиным…


Жизнь радовала и награждала за труды: то орденом Почетного легиона за оформление Русского павильона на Всемирной выставке в Париже, то преподаванием (вместе с Серовым) в Московском художественном училище, то званием академика живописи. Красивого, веселого, беспечного, до безрассудства щедрого, доброго Коровина знала и любила вся Москва. «Знатоком и вкусителем жизни и природы» называл его А. Бенуа.

1897 году Коровин женился на Анне Фидлер, хористке из Частной оперы Мамонтова. Он не писал ее портрета, но считается, что именно она изображена на этой картине. Первый их сын умер еще маленьким, а второй попал в 16 лет под трамвай и остался без ног, несколько раз пытался покончить с собой, что ему и удалось, но уже после смерти отца. Жена не была другом и опорой художнику, их отношения складывались непросто, она много и часто болела, у Коровина появилась гражданская жена, Надежда Комаровская, с которой его связывали общие интересы, она была актрисой, а Коровин много работал для театра.


Художник с трудом переносил революционные и послереволюционные изменения в стране, его имение в Охтино реквизировали, московскую квартиру «уплотнили». О жизни в России тех лет Коровин оставил интересные записки, я читала их тут: http://izbrannoe.com/news/mysli/khudozhnik-konstantin-korovin-o-zhizni-v-rossii-posle-revolyutsii/
Нарком просвещения Луначарский, хорошо относившийся к Коровину, сказал ему: «Вы устали от революции, я понимаю. Вам следует уехать за границу. Там будете счастливы». И он уехал в Париж в 1923 году, он не был забыт, получал время от времени заказы, участвовал в выставках, пользовался уважением, но не имел друзей, тосковал, начал писать, печатался в литературных журналах. Коровин в Париже не был счастлив, мучился тоской, страдал от безденежья, мечтал вернуться, но понимал абсурдность этих мыслей – той родины, которую он любил, уже не было.

И последний художник, о котором скажу несколько слов в этой части – Борис Кустодиев (1878-1927), родившийся в Астрахани в семье профессора философии и истории литературы в духовной семинарии в сане священника.


В Петербургской академии художеств Кустодиев был учеником Репина, и уже в ранней молодости стал известен как хороший портретист, даже начинает этим зарабатывать. Характерная особенность портретов Кустодиева – в жанре «портрет-картина», когда портрет пишется на фоне законченного пейзажа или жанровой сцены, которые сами по себе могли бы быть отдельными картинами, полными жизни и радости, а герои (особенно героини) его портретов краснощекие и пышнотелые, веселые и пышущие здоровьем.



На самом деле судьба не баловала художника, он пережил две революции и Гражданскую войну, пережил голод и смуту, похоронил маленького сына, часто и тяжело болел, его не все и не всегда принимали, его живопись некоторые считали примитивной, похожей на лубок, а А.Бенуа назвал однажды его живопись «варварской дракой красок». Но были и те, кто восхищался его искусством и кто ценил его талант живописца, среди них и Николай II, портрет которого и членов его семьи было поручено написать Кустодиеву, а его портрет Шаляпина известен, наверное, каждому любителю живописи.


Но первые признаки болезни, проявившиеся еще в 1907 году, дали о себе знать через 10 лет, ему поставили диагноз опухоли спинного мозга, он перенес несколько операций, ему пришлось перерезать нервы, отвечающие
за подвижность ног, он лишился возможности ходить, но не сдался. Кустодиев продолжал и в инвалидном кресле писать все такие же светлые, все такие же жизнеутверждающие картины.



Посмотрите на этот портрет, сколько в нем радости жизни, а ведь он написан за год до смерти художника, скончавшегося в возрасте 49 лет.
Подводя итог в разговоре о русском портрете этого периода, можно сказать, что он был очень плодотворным, привнесшим в мировую культуру великие имена российских художников, обогатившим портретную живопись новыми стилями и подходами. Революция и последовавшие за ними политические изменения в стране, приход так называемого «социалистического реализма», гонения на деятелей культуры, унификация и требования прославления вождей отбросили, на мой взгляд, портретную живопись на десятилетия. О некоторых немногочисленных художниках, кто даже работал по партийным указкам, и о тех, кто работал «вопреки», но сумели создать достойные упоминания произведения, мы поговорим в следующий раз.
Как всегда, в конце этой темы вы можете посмотреть к ней музыкальный ролик, включающий 104 репродукции перечисленных выше художников. Время просмотра - 8,5 минут.


Ссылки: 1.https://artchive.ru/artists
    2.
http://ilyarepin.ru/lichnost/
               3.https://ru.wikipedia.org/wiki/
               4.https://kulturologia.ru/blogs/300616/30249/
               5.http://artguide.com/posts/
Tags: портрет
Subscribe

  • Post a new comment

    Error

    Anonymous comments are disabled in this journal

    default userpic

    Your IP address will be recorded 

  • 0 comments